Autore: Ilaria Calò

Giancarlo Giordano nasce a Racconigi, in provincia di Cuneo, nel 1940. Era il tempo in cui la rivista “Famiglia Cristiana” proponeva nella sua retrocopertina la stampa di opere d’arte famose, ed è ancora bambino quando, incuriosito, inizia a riprodurle. L’estro artistico e la manualità non sfuggono negli anni: crescendo infatti Giancarlo si dedica alla professione di fabbro. Il 1969 per lui è un anno di svolta: confina i lavori di saldatura e il suo mestiere al fine settimana, per dedicarsi alla “missione” di operatore sanitario presso l’Ospedale Psichiatrico di Racconigi. Questo è il luogo in cui incontra la sofferenza umana nella sua variante peggiore, che si insinua prima ancora nella mente che nel corpo.

Siamo ancora lontani dalla legge Basaglia, che nel 1978 porta una vera e propria rivoluzione nel mondo della psichiatria, imponendo dei limiti più ferrei riguardo il ricovero dei malati mentali e definendo la chiusura dei manicomi. Questa legge entra di fatto in contrasto con l’unica esistente fino a quel momento, ancora intrisa di concetti arcaici. La legge n.36 del 1904 prevedeva infatti la presentazione di un semplice certificato medico, procedendo nella maggior parte dei casi con un internamento d’urgenza, per qualsiasi individuo che presentasse disturbi del comportamento, devianze o volontà di esprimere il proprio pensiero progressista in contrasto con luoghi comuni, pregiudizi e tabù.

All’interno di questi luoghi coercitivi, le “cure” inflitte ai pazienti, internati sani nella maggior parte dei casi, provocano nel corso del tempo, insieme al senso di alienazione e annichilimento, il consumo dei corpi e insorgenza di veri e propri disturbi mentali.

Una follia non scelta, piombata addosso come un forte macigno, con cui ogni giorno Giordano deve scontrarsi, intravedendo negli occhi dei suoi pazienti l’anima smarrita in cerca di salvezza dall’orrore. Pur non potendo sanare i danni provocati da procedure retrograde che unicamente spogliano da ogni volontà o intenzione, Giancarlo tenta di instaurare con loro una relazione, attraverso la pittura.

In questa impresa i suoi insegnanti sono Edvard Munch, Francis Bacon, ma anche Rouault, Permeke, Freud e Nolde: esponenti di una pittura espressionista che vuole rappresentare la sofferenza, l’umiliazione, il degrado, l’abbandono, la diversità umana. Il loro tratto artistico è in grado di narrare una realtà altra ed emotiva, scandita dal loro personale rapporto con il mondo li circonda.

Dal loro studio, nasce una linea empatica e un punto di partenza per la produzione artistica di Giordano: linee spesse e nette, che ben rappresentano i volti ossuti, gli arti piegati, le schiene ricurve, gli occhi scuri, di corpi che sembrano non appartenere più a persone, con colori grevi e pastosi, che le raffigurano quasi sempre poggiate nell’angolo di una stanza, lì, lasciate a se stesse.

Il critico letterario Giovanni Tesio, nel capitolo 7 del suo libro I colori del nero. Arte e vita nel manicomio di Racconigi, afferma:

Se per un autore la ricerca dello stile è tutto, ciò significa che l’espressione – l’unica espressione – deve coincidere con la morale del “messaggio” (parola di cui possiamo ben tornare a proporre l’importanza). Non il cosiddetto “contenuto”, beninteso, che non è tutto, ma la fusione del contenuto nella sua voce, nel suo segno.

Così si delinea al meglio il tratto pittorico dell’artista, che diventa espressione della sua intima visione del luogo in cui lavora e dei suoi abitanti e ne sancisce una cruda denuncia.

Gli uomini, le donne e i bambini nell’ospedale in cui lavora Giancarlo ritrovano identità grazie alla sua arte, tornando ad essere madri, padri, figli e figlie, sorelle, fratelli, nonni e nonne, ma anche scrittori, insegnanti, artisti, falegnami, sarti, panettieri, agricoltori, fabbri e così via.

Così la disperazione e la paura dell’oblio risorgono con le figure espresse sulla sua tela, restituendo a tutti loro una storia, e ad essa la dignità di essere ricordata. Non a caso spiccano tra i ritratti di Giordano quelli di Alda Merini, poetessa protagonista dell’abbandono e dell’alienazione del manicomio; Beppe Fenoglio, scrittore segnato profondamente dal suo vissuto durante la guerra; Edith Bruck, dalla cui esperienza della Shoah nascono scritture di testimonianza: ognuna – seppur in modo differente – icona della sofferenza umana e portavoce di essa attraverso l’arte.

L’opera di Giancarlo Giordano si estende anche oltre l’incontro della malattia mentale: troviamo la raffigurazione di nature morte, fiori, paesaggi, autoritratti e opere che si ricongiungono alla sua professione di fabbro e alla sua manualità, con modellini in terracotta e in ferro battuto.

Giordano non ha mai perseguito la fama e la notorietà, aspirando semplicemente ad essere fedele a quella che sentiva essere la sua vocazione di artista, una peculiarità che lo porta ad essere apprezzato dalla critica e soprattutto gli conferisce prestigio e onore.

Ci troviamo infatti di fronte ad un uomo il cui un gesto restituisce il sé a chi ne viene privato, un gesto che parte dalla sua percezione facendosi messaggio profondo e sentenza ineluttabile.

 

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In copertina: Giancarlo Giordano, Maternità. Tutte le immagini sono state tratte dal sito dedicato all’opera di Marina Pepino e Giancarlo Giordano

L’Irlanda durante il XX secolo è luogo di un lento e sanguinoso sviluppo di guerre civili di carattere etnico, religioso e politico.

Nell’agosto 1969 l’”Operazione Banner” da’ inizio ai Troubles, ai cosiddetti disornidi sviluppatisi nelle città di Belfast e Derry che portano il governo britannico a scegliere di inviare l’esercito inglese in Irlanda del Nord. Tali conflitti, che si protraggono fino agli anni Novanta del Novecento, vedono opporsi Unionists e Nationalists nell’Irlanda del Nord: uno scontro tra la minoranza cattolica nativa irlandese, discriminata dalla maggioranza protestante nativa britannica, insediatasi nell’isola sin dal XVII secolo, e che vede contrapporsi a più riprese i repubblicani irlandesi e la monarchia britannica. In particolare, dopo la guerra d’indipendenza irlandese, l’Irlanda si vede costretta a un compromesso, lasciando alla monarchia la parte nord-orientale dell’isola, l’Ulster.

I cattolici nel corso dei decenni non hanno mai smesso di rivendicare la loro libertà e la volontà di slegarsi da limiti e divieti a cui erano soggetti, e nel 1972, il Bloody Sunday segna l’apice dei Troubles.

È proprio Derry infatti, città popolata da molti cattolici, palcoscenico dell’uccisione di quattordici persone per mano dell’esercito britannico, durante una domenica di manifestazioni per i diritti civili. Questo fa lentamente precipitare la situazione già molto fragile, espandendo il conflitto in tutto il nord dell’Irlanda negli anni successivi. La sanguinosa domenica di Derry prende per questo il nome di “Bloody Sunday”.

A ricordare l’evento rimangono numerose opere d’arte. In particolare è Bogside, il più importante quartiere cattolico di Derry, ad essere una raccolta di memorie e rappresentazioni del Bloody Sunday. Iniziando da una scritta sul muro di una casa che recita: «State entrando nella Derry libera», oggi diventata una lapide commemorativa, seguono dodici murales realizzati tra la fine degli anni Novanta e l’inizio degli anni Duemila dai Bogside Artists, i fratelli Tom e William Kelly e Kevin Hasson, riunitisi per ricordare le vittime dei Troubles irlandesi attraverso i dipinti che sorgono sulle mura della Rossville Street, in quella che viene chiamata la People’s Gallery, un vero e proprio museo a cielo aperto e inestimabile capolavoro artistico e politico.

Abbiamo opere ricche di significato: Operation Motorman, che raffigura un soldato inglese nell’intento di sfondare una porta, e sull’edificio accanto The Runner dove in primo piano un giovane fugge dal fumo tossendo e subito sotto i ritratti di due adolescenti uccisi durante i Troubles. Si prosegue poi con il Petrol Bomber, un ragazzino che indossa una maschera antigas e tiene tra le mani una bomba molotov circondato da fumo, fuoco e soldati. Sono i mutales che più trasmettono le emozioni vissute durante gli scontri armati: angoscia, dolore, agitati tentativi di preservare la vita.

Se già in The Runner” i Bogside Artists ricordano i volti delle vittime, seguono altre opere che ancor di più perseverano in questo intento, trasmettendo insieme una forte malinconia in grado di renderci consapevoli delle ingiustizie provocate dall’odio. In “The Death of an Innocent” viene ritratta con colori vivaci una ragazzina di nome Annette uccisa nel 1971. La ragazza, con sguardo fisso verso di noi ma con atteggiamento timido che ben si nota dalla posizione delle mani, presumibilmente vestita con una divisa scolastica, è accanto a una maestosa farfalla blu e arancione. Loro sono luce sullo sfondo grigio delle rovine stilizzate della città.

Il murale dai colori freddi Mothers and Sisters ricorda invece Patsy O’Hara e sua madre Peggy, lui attivista arrestato durante gli scioperi, lei attivista candidata al parlamento nordirlandese. C’è un forte contrasto in questa opera: due volti femminili seri e rigidi si scontrano con i volti sorridenti dei due uomini, sulla sinistra una bambina indica le figure, anch’essa seria, posta davanti alla donna in abiti tradizionali e volto austero.

Vengono inoltre rappresentate le manifestazioni civili: Bernadette, raffigurante una delle fondatrici del Partito Socialista Repubblicano irlandese, Bernadette McAliskey, arrestata nel 1969 e poco dopo eletta a soli ventidue anni parlamentare, da cui trapelano forte senso di determinazione, spinta e coraggio per elevare i propri valori, e “Bloody Sunday”, forse il più emblematico della raccolta, ci mostra un parroco far strada a tre civili che sorreggono tra le braccia la prima vittima del Bloody Sunday: il diciassettenne Jackie Buddy. Il murale è copia fedele dell’originale scatto del fotoreporter italiano Fulvio Grimaldi presente durante gli scontri e le uccisioni di quella domenica.

Troviamo infine un monito di speranza, giustizia e cessazione degli scontri raccolto il tre murales: in un cerchio rosso, i quattordici volti delle vittime del Bloody Sunday; segue John Hume, leader irlandese, accanto a Madre Teresa di Calcutta, Martin Luther King e Nelson Mandela, simboli di giustizia e lotta contro la povertà e per le minoranze etniche e culturali e “Il murale della pace”, completato più recentemente rispetto agli altri, nel 2004, dove una colomba prende forma da una linea bianca su una scacchiera variopinta.

Sarà poi solo nel 2010 il primo ministro inglese David Cameron ad ammettere la colpevolezza dell’esercito britannico in relazione alla strage di Derry. Nonostante tutto, ancora oggi possiamo percepire tensioni legate ai medesimi motivi.

Questa piccola parte di mondo può essere un esempio di molti più conflitti tra popolazioni, che vediamo ogni giorno da sempre, dove le diversità si rimarcano costantemente e la paura di ciò che non si conosce è un’ erbaccia ben radicata difficile da estirpare.

L’arte può però essere salvifica in questi casi, andando a rielaborare la storia per renderla a noi fruibile e indelebile nelle nostre esistenze, per essere insegnamento e invito a migliorarci e ad andare oltre pregiudizi e discriminazioni.

 

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Avete mai conosciuto una psicoterapeuta illustratrice? Oggi vi parlo di Roberta Guzzardi, di un lavoro e una passione legate insieme dal suo immenso mondo interiore che la guida nel creare originali illustrazioni, buffe e graziose allo stesso tempo, in cui ognuno di noi può immedesimarsi.

Ho parlato un po’ con lei per scoprire molti aspetti in più di quel che possiamo vedere sul suo profilo Instagram.

Quando e come nasce l’idea di trasformare il tuo lavoro quotidiano in arte?

È stato un processo naturale e casuale. Mi sono trasferita a Roma per diventare fumettista, ma durante gli studi avevo la percezione che i miei disegni non fossero all’altezza di quelli dei miei compagni, sentivo di non essere portata per questo lavoro. Scelgo quindi di indirizzarmi verso la psicologia. Sono psicoterapeuta da molti anni e proprio sviluppando una carriera differente da quella che sognavo un tempo, ho ricominciato per diletto a disegnare, ponendo molta attenzione al mio mondo interiore, influenzata molto dalle nozioni che avevo appreso nel frattempo.

Come nasce Mostro? Trovo che sia molto rappresentativo e un’idea immediata e meravigliosa per dare forma alla nostra interiorità.

Fin da ragazzina Mostro ha fatto parte dei miei disegni , sebbene in una forma diversa e meno definita da quella di adesso. Dovevo rappresentare la parte scomoda di me stessa in qualche modo e riuscivo a farlo disegnando una ragazzina con accanto una figura indefinita e astratta. Solo quando partecipai nel 2019 a una challenge di Instagram che proponeva di illustrare una parola al giorno. Da qui nasce la ragazzina con il mostro, una breve storia casuale che dà vita alle numerose illustrazioni di adesso.

Mostro è un personaggio molto tenero, e questo ci fa capire che anche ciò che può spaventarci e ci rende negativi può essere invece un aiuto, diventare qualcosa di utile e bello se ascoltato con attenzione. Mostro si rivela sempre la guida e la compagnia più intima della ragazzina.

Qual è l’opinione dei tuoi pazienti e dei tuoi follower riguardo le tue opere?

Io mi occupo di terapia strategica breve con pazienti adulti con cui tratto problemi di vario genere, che interessano ogni aspetto della vita. Alcuni miei pazienti non sanno che disegno, altri ultimamente mi hanno conosciuta tramite le mie illustrazioni. Non utilizzo i miei disegni durante la pratica terapeutica, nonostante le opere siano a sfondo psicologico. Perché il tipo di terapia che utilizzo non include il lato artistico, a parte
alcuni rare eccezioni.

Per contro, i miei follower non sempre sanno che sono psicoterapeuta, se non quando approfondiscono la conoscenza esplorando la mia pagina.

Le situazioni che tratti in terapia a volte ti danno ispirazione per nuove illustrazioni?

Può capitare che abbia ispirazione durante il colloquio con i miei pazienti ma nonostante questo le idee per i disegni provengono dalla mia sfera personale e interiore. Sono più che altro una terapia per me, per realizzare alcune situazioni emotive personali. Molto di questo varia a seconda dei periodi della mia vita.

Quali sono le tematiche che meglio riesci a esprimere attraverso le illustrazioni? Quali sono le tematiche che suscitano più riscontro da parte del pubblico?

Partono da sfoghi personali, quelli che hanno più effetto sono quelli che parlano delle relazioni e in particolare delle relazioni sentimentali, perché tutti ne siamo coinvolti, e perché spesso parlo di quel modo di relazionarsi che diventa tossico, negativo e questo aiuta molte persone a immedesimarsi e a ritrovare la propria situazione nel disegno. A volte poi, ho creato disegni più esistenziali, sul senso della vita, che hanno
suscitato molto riscontro.

In altri casi l’ispirazione nasce da ciò che ascolto o che leggo, una cosa che mi piace molto fare, conoscere e interessarmi di ciò che mi circonda. Gli input esterni di danno idee.

C’è stato un momento in particolare in cui il numero dei tuoi follower su Instagram è cresciuto?

I miei follower sono cresciuti moltissimo nel momento in cui durante il primo lockdown a marzo 2020 ho creato una striscia con Mostro che trattava proprio questo argomento. È diventata virale. Fino a quel momento i miei seguaci erano sempre stati sui 500 da quando avevo aperto il profilo circa cinque anni prima. Da marzo 2020 è cresciuta all’improvviso e ora cresce in modo costante.

Grazie a questa situazione sono riuscita a comunicare un aspetto che ha suscitato moltissimo interesse, dandomi molta visibilità.

Perché hai deciso di mostrare le tue opere su Instagram? Pensi che i social siano un buon modo per condividere stati d’animo e questioni riferite alla sfera emozionale e intima dell’essere umano?

Ho iniziato da Facebook, parte dal voler condividere. Mi hanno poi consigliato di spostarmi su Instagram che nel tempo ha avuto molto più successo per la condivisione dell’immagine e non della parola.

Dà un eco fortissimo: è come se fosse un megafono. Non devo però pensare al giudizio altrui o al gusto degli altri, perché influenza moltissimo. Io lo uso come un diario di scuola, per raccogliere quel che creo. Il pensiero di quale effetto può avere su chi sta dall’altra parte dello schermo, se può aiutarlo o dagli speranza o aiuto, c’è sempre. Non mi perdo comunque su questo, penso principalmente a condividere quel che faccio. A volte ho un giudizio differente delle mie opere rispetto a quello che danno gli altri. Penso sia banale, invece riscuote moltissimo successo, al contrario a volte reputo un’opera molto bella, ma non ha molto successo. Non bisogna comunque farsi influenzare troppo da questo.

Credo sia indispensabile essere coscienti che i social ti rendono vulnerabile e nudo, sei completamente scoperto, per questo ci vuole senso critico e parsimonia nel pubblicare contenuti. Alcuni disegni non li pubblico subito, ma solo quando mi sono disconnessa emotivamente da essi.

Hai dei progetti legati alla tua passione?

Sto realizzando un libro di illustrazioni sulla ragazzina e il mostro di cui la pubblicazione dovrebbe avvenire nell’autunno di quest’anno.

 

Roberta mi saluta facendomi partecipe di un suo sogno per il futuro. Le piacerebbe creare una graphic novel su questioni relazionali e sentimentali, creando una trama più complessa e lunga. Un progetto ambizioso su cui avrà il nostro pieno incoraggiamento, necessario per valorizzare artisti emergenti di rilievo proprio come lei.

Potete trovare online Roberta come psicoterapeuta al sito La psicologia a tratti semplici. 

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La prima volta che ho visto le opere di Luca Checchinato mi è tornata subito in mente Scrump, la piccola bambola di Lilo nel film d’animazione della Disney Lilo & Stitch, i cui lineamenti ricordano molto lo stile di questo illustratore di Latina, che, oltre a lavorare nella comunicazione aziendale come professione, gestisce e arricchisce ogni giorno la pagina Instagram oignon_cercatoridistelle.

Dal tratto leggero e dai colori pastello, i suoi disegni hanno un carattere unico e speciale, personaggi noti di film, serie tv e videogiochi diventano grazie alla capacità di Luca morbide bambole di pezza illustrate.

Un’esplosione di colori tenui che riempiono interamente lo spazio di disegno, anche grazie ad uno sfondo corposo su cui poggia il personaggio protagonista dell’opera. Ogni parte del disegno assume morbidezza, rotondità, nonostante nella realtà sia steso su una superficie lineare: il tutto è reso possibile grazie alle tecniche che potete leggere nelle prossime righe.

L’artista utilizza la tecnica di disegno Oignon, proprio per la forma a cipolla dei soggetti rappresentati, con una testolina tonda e decisamente più grande del corpo e un volto decorato da quelle che vogliono essere allo stesso tempo cuciture e rattoppi colorati della stoffa e cicatrici della pelle.

Gli Oignon nascono nel 2014, in un periodo in cui Luca aveva smesso di disegnare, un’attività che inizia a percepire più come un obbligo che una passione. Un mattino, in modo del tutto casuale, il suo sguardo si rivolge a una semplice bomboniera poggiata in casa: aveva la forma di una palla decorata con alcuni bastoncini di  essenze profumate: senza dubbio, quello era già un Oignon! L’ispirazione è immediata, scrive in poco tempo una storia e un’ambientazione, i personaggi prendono forma con tanta naturalezza. La graphic novel Oignon, cercatori di stelle, autoprodotta dall’artista, viene presentata alla Biennale di Roma nel 2015, conquistando nell’immediato il cuore di moltissime persone, tanto da rendere possibile la nascita dei Ritrattoignon, con cui Luca, partendo da una foto, trasforma le persone nei suoi buffi personaggi. Questo supporto e incitamento lo spingono a proseguire con tanta motivazione. Da quel momento in poi la sua carriera cresce e sviluppa senza fermarsi.

Altra tecnica utilizzata è l’Ubi Humunculus, molto simile alla precedente, si basa sull’accentuazione in modo caricaturale di alcune parti del corpo, così come gli originali homunculus motorio e sensoriale utilizzati nelle scienze ottocentesche. Si tratta di una riproduzione del corpo umano che definisce le dimensioni delle varie parti in base alla quantità di informazioni esse inviano al cervello tramite i recettori sensoriali e motori. Più una determinata parte invia informazioni più sarà rappresentata in grande. Ne deriva così l’immagine di volto e mani molto più ampi rispetto al resto del corpo.

A tal proposito, un interessante progetto di Luca Checchinato in collaborazione con lo scrittore Loris Fabrizi, è Ubi – il suo nome è proprio la parola “dove” in latino – un piccolo e tenero omino di legno, con delle foglioline verdi per capelli e un nodino per occhio, che potrà trovare un posto nel cuore e sugli scaffali di molte famiglie. Ubi, storia di un Homunculus sarà infatti a breve un libro illustrato di avventure fantastiche pubblicato dalla casa editrice La Strada per Babilonia, adatto a bambini e adulti di ogni età. Si tratta della prima opera edita da una casa editrice, un sorprendente regalo di Loris per Luca, legati da tempo in un saldo rapporto di amicizia.

Sempre del 2015 un esperimento complesso e molto riuscito è la riproduzione del quadro di Johannes Vermeer La ragazza con l’orecchino di perla. L’opera, che ripone tutto il senso nello sguardo della protagonista, si presenta assai ardua da riproporre nella tecnica adottata da Luca, ma nonostante ciò ne deriva un’illustrazione eccezionale, tanto da ricevere per questo un importante riconoscimento dal critico d’arte Vittorio Sgarbi a Palermo dove tra 700 artisti riuniti all’evento L’isola che c’è ne esce vincitore. Le parole del critico si imprimono nella sua mente diventando guida per il suo futuro. Sgarbi infatti si rivolge a Luca affermando che l’unicità e tutto ciò che conta oggi, e che le sue opere sono davvero uniche e riconoscibili nell’immediato.

L’anno seguente è un anno ricco di premi e crescita professionale per Luca. Presso la sede di Ea edizioni a Torino viene premiato dal direttore della rivista Effetto Arte come Artista Doc. Inoltre la riproduzione del quadro di Leonardo da Vinci Dama con l’ermellino gli permette di ricevere il riconoscimento di Maestro d’arte al Monreale Art History e un premio conferitogli da José Dalí, figlio del noto artista Salvador Dalí, presso Palazzo Clerici a Milano.

Tra le opere che più mi hanno colpito, oltre alle già citate riproduzione di opere d’arte della storia, tra cui l’Escher Oignon remake, fedele riproduzione dell’opera più famosa di Escher, Mano con sfera riflettente, del 1935, tutta nel suo stile, abbiamo un paffuto e piccolo Dante Alighieri che osserva una mezzaluna spigolosa dal volto spaventato perché aggrovigliata tra i rovi della selva oscura, rappresentazione di quello smarrimento esistenziale che spinge il poeta a intraprendere il lungo cammino di scrittura della Divina Commedia. Il disegno viene pubblicato su Instagram il 10 aprile 2020, giorni in cui, nel 1300 l’opera è ambientata.

Luca Checchinato rielabora personaggi e immagini ben conosciute nella cultura occidentale, al fine di offrircele con un volto nuovo, stupefacente, visto con i suoi occhi, passando da Super Mario e Wonder Woman a Betty Boop, da Bart Simpson a Harry Potter e i Puffi, intervallati da opere con personaggi inediti, video dei making of e molte rappresentazioni di Alice nel Paese delle Meraviglie.

Mostri sacri dell’immaginario collettivo si trasformano in personaggi semplici, diretti, comprensibili e uniti da caratteristiche comuni, che in fin dei conti “sono teste tonde con due buchi” come Luca stesso afferma.

Personaggi tanto diversi tra loro, grazie a lui, iniziano ad avere un punto in comune, ad essere simili e comparabili all’interno di un mondo in cui in realtà hanno sempre convissuto, quello dell’intrattenimento, dell’arte contemporanea, della comunicazione e della letteratura nelle varie epoche storiche.

Un viaggio a tutto tondo, sia nella nostra cultura, sia in queste linee di matita.

 

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In copertina: Luca Checchinato, Game of “thrOignon”. Tutte le illustrazioni sono state pubblicate per gentile concessione dell’autore.

È da poco uscito il film Escher – Viaggio nell’infinito, un documentario con cui Robin Lutz ci mostra la vita dell’incisore e disegnatore olandese Maurits Cornelis Escher, con grande maestranza e artisticità nella regia.

Il film, della durata di novanta minuti, presenta in modo del tutto originale la vita dell’artista, accompagnata da una colonna sonora che scandisce il ritmo dei periodi della sua esistenza, costantemente rappresentati nelle sue opere, stranianti e quasi oniriche, e con una voce fuori campo (l’idea è che Escher stesso si racconti) alternata alle interviste rivolte ai figli dell’artista e al musicista Graham Nash, membro del gruppo Crosby, Still, Nash and Young, suo grande ammiratore, dopo aver visionato una raccolta di opere donatagli in forma di libro dal cantante degli Animals Eric Burdon.

Negli anni Sessanta Escher era molto apprezzato dai giovani hippie e le sue opere ben si integravano con le atmosfere psichedeliche dell’epoca, nonostante l’artista fosse costantemente sorpreso del suo successo, ancor di più dell’ammirazione di Mick Jagger che per molto gli richiese una sua illustrazione per la copertina di un album dei Rolling Stones, senza successo.

«La paura di non riuscire stare al passo è il problema». Questo è un sentimento costante durante l’infanzia di Maurits, che trova conforto solo nel disegno nei soggiorni in località di mare. All’Università di Harlem conosce e sviluppa il suo talento per le arti grafiche e l’intaglio del legno.

«Desidero godermi i minimi dettagli, voglio provare a disegnare nel modo più accurato possibile. La bellezza è così terribilmente difficile».

Escher voleva imprimere nei suoi disegni la semplicità e allo stesso tempo la complessità della natura, dei fiori, delle rocce e degli animali.

La vita di Escher è segnata da viaggi in luoghi d’ispirazione per la sua arte, prima tra tutte l’Italia, in cui abita per molti anni e conosce la sua futura moglie Jetta Umiker, che sposa a Viareggio nel 1924. Si trasferiscono a Roma (città molto amata da Maurits soprattutto per l’architettura e le linee barocche che «sbiadiscono nelle ore notturne») dove nascono i suoi due figli: la famiglia abita in Italia fino al 1935 circa, da cui poi si allontana per evitare influenze fasciste sui figli, che stavano crescendo con le idee imposte dal regime mussoliniano.

Vanno così a vivere in Svizzera, da cui si allontanano solo per un breve soggiorno in Spagna, da cui l’artista coglie grandissima ispirazione, soprattutto per i mosaici geometrici degli edifici visitati, in particolar modo nell’Alhambra di Granada.

«È la scoperta di un motivo che continua a ripetersi, secondo un determinato sistema».

L’obiettivo di Escher è di sistematizzare, di riempire completamente gli spazi vuoti sullo sfondo, ripetendo all’infinito il soggetto primario e andando oltre la sola geometria degli spagnoli e disegnando pesci, uccelli, rettili.

Durante il periodo vissuto in Belgio, nonostante le difficoltà portate dal Secondo conflitto mondiale, Escher crea le sue opere più famose, pur con nostalgia verso i paesaggi italiani che molto amava.

Il documentario, animando le opere di Escher, coinvolge enormemente il pubblico, immergendolo in questi spazi a più dimensioni e multiformi, creando un senso di straniamento e allontanamento dalla realtà osservabile in superficie.

Possiamo osservare le Metamorfosi, mosaici a scacchiera bidimensionali e tridimensionali.

«Per la prima volta mi permetto di creare composizioni basate sul problema di esprimere l’infinitezza, in un piano delimitato».

L’interesse per la precisione matematica supera la volontà di fare arte. Attraverso associazioni logiche esprime visivamente i suoi pensieri, ad esempio associando l’esagono all’alveare e poi alle api; un pesce il cui sfondo diventa un uccello; lucertole di diversi colori, l’una lo sfondo dell’altra. Per Escher si tratta di giochi per bambini; «la gente ragionevole può considerarlo banale e noioso»

Il regime hitleriano e le leggi razziali impongono agli artisti visivi l’iscrizione alla Camera della Cultura (Reichskulturkammer) per poter esporre in pubblico le loro opere. Escher non vuole cedere al compromesso smettendo di rendere note le sue opere e cancellandosi dalle associazioni di cui faceva parte. Iniziano anni difficili, sia moralmente (persero alcuni amici ebrei) che economicamente, per poi ricadere sulla salute della famiglia, in particolar modo su Jetta, denutrita ma felice di poter crescere i suoi figli, nonostante i primi disturbi mentali la infastidissero. Durante questo periodo Escher da’ vita all’opera in cui ottimisti e pessimisti si incrociano in un cammino circolare infinito.

Dopo la fine della guerra i coniugi Escher continuano a condurre una vita isolata e i figli progressivamente iniziano ad occuparsi di loro.

Maurits crea in questi anni il ritratto di Jetta come una buccia, ma non soddisfatto proprio perché la buccia presenta un inizio e una fine, decide così di rappresentare in un circolo infinito sua moglie con lui accanto. La malattia della moglie non è un ostacolo all’amore che Maurits prova per lei, e la vecchiaia non gli impedisce di continuare a disegnare, stampare e incidere su legno. È proprio in questo periodo che realizza i suoi primi mosaici a scacchiera in forma sferica, per dare un maggiore senso di infinitezza. Anche la salute di Escher viene meno a causa di un cancro al colon. I coniugi alla fine degli anni Sessanta, pur rimanendo in Svizzera, si dividono: Jetta viene portata in una clinica per la cura della sua malattia mentale, Maurits rimane a casa fortemente debilitato e costretto a ricevere visite dei suoi ammiratori, sempre più numerosi in questi anni.

Oggi l’arte di Escher è fortemente apprezzata da un pubblico sempre più vasto: ne è dimostrazione la realizzazione di questo film, che magistralmente ci narra l’originalità del grande e controverso artista Escher.

Artivism. Un neologismo che indica la forma d’arte dedita all’attivismo, non semplicemente riferito al cambiamento climatico, ma esteso alle forme di discriminazione, al pacifismo, ai diritti umani, di cui sempre più sono piene le nostre giornate. In occasione del terzo sciopero mondiale per il clima, svoltosi ieri, a cui ha partecipato un numero di persone costantemente in crescita, vi parlo di questa nuova corrente di pensiero a cui approdano sempre più artisti.

Oggi l’arte visiva non si esprime più solo attraverso canali materiali, come quadri, fotografie, teatro, ma soprattutto attraverso il virtuale. I social network permettono la rapida circolazione di contenuti, rendendo questi ultimi intangibili, in grado di invadere ogni nodo della rete a livello planetario. Nel caso dell’Artivism la caratteristica social può rivelarsi un vantaggio, proprio perché tali opere possono essere accolte in breve tempo da un numero potenzialmente illimitato di individui.

L’Artivism si sviluppa però a partire dal 1997, grazie ad un raduno di artisti e musicisti tra Chicago e Los Angeles, con alcune influenze provenienti anche dal Messico, in grado di realizzare opere pop a sfondo sociale. Questo tipo di arte si sviluppa dunque inizialmente attraverso la street art (di cui ancora oggi possiamo vederne traccia), la culture jamming, una forma di boicottaggio della cultura dei media e dei contenuti o ideali mainstream, il subvertising – parola che va a sovvertire il senso di advertising (pubblicità) parodiando le campagne politiche e promozionali -, forme di protesta e attivismo vero e proprio, per poi seguire sempre più i mutamenti della società, adeguandosi ad essi per continuare ad emergere. Come si è detto oggi l’Artivism di fa strada lungo gli infiniti percorsi del web.

Lo scrittore americano MK Asante, nel suo libro It’s Bigger Than Hip Hop (2008, St. Martin’s Press), una riflessione sul valore della cultura pop come veicolo di valori sociali e politici, a dare un’ esaustiva definizione di Artivism:

The artivist use her artistic talent to fight and struggle against injustice and oppression, by any medium necessary.

Ci sono molte iniziative che annualmente raccolgono gli obiettivi di molti artivist all’interno di festival o manifestazioni. L’Artivist Film Festival & Awards ne è un esempio. Si svolge annualmente sotto forma di tour nonostante la sede di organizzazione sia a Hollywood, riguarda principalmente i registi che nelle loro produzioni pongono come temi centrali i di diritti umani, i diritti sui minori, i diritti animali e la preservazione ambientale.

Vi riporto inoltre due esempi di Artivism veicolato attraverso i social network. Si tratta di Steffen Kraft e di Viktor Hertz.

Steffen Kraft, conosciuto come ICONEO, è un artista tedesco sensibile alle tematiche sociali, in particolar modo all’ambiente. Attraverso uno stile minimalista e a tratti retrò, riesce a dare al pubblico un’idea chiara di ciò che vuole esprimere. Spesso la società si comporta in modo del tutto superficiale e contradditorio, con estrema ingenuità attua pratiche dannose nei confronti dei propri simili e della Terra. Inoltre i valori che oggi aleggiano su di noi risultano quasi del tutto vacui, soffocati dalla vita parallela che una consistente percentuale di individui è stata in grado di costruirsi e curare con molta dedizione – trattasi dei nostri account social.

Viktor Hertz è un artista svedese che ha iniziato come hobby il mestiere del graphic designer, per poi intraprendere la carriera nel 2010. Oggi ha già realizzato libri e partecipato a esibizioni. Mi sento di poter dire che la sua collezione “Honest Logos” si ispira al subvertising. Troviamo infatti nelle sue illustrazioni digitali una sottile ironia in grado di mostrarci la vera essenza dei brand mondiali su cui poggia il consumismo della società moderna. Hetz risveglia le nostre coscienze, mostrandoci ciò che davvero i colossi mondiali ci stanno dicendo, senza volerlo.

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